Una mostra, questa, che si concentra su un aspetto sicuramente centrale di un artista voluttuoso e sensibile come il francese Henri Matisse: gli arabeschi decorativi, che riempiono i suoi quadri come delle spire magiche e colorate.

Matisse nasce nella cittadina francese protagonista della siglata pace tra i potenti Asburgo e la Francia stessa, Cateau- Cambrèsis, ma è un’altra epoca, quella delle guerre tra nobili casate alla guida di nazioni-stato, quasi un altro mondo rispetto quello che Matisse si trova ad affrontare mezzo millennio dopo. Matisse aveva, tuttavia, inscritto nei geni la forza e la tenacia di chi nasce, anche a distanza di secoli, in luoghi simbolo di eroiche imprese e leggendarie battaglie. La sua lunga vita vedrà superare e oltrepassare, infatti, ben due guerre mondiali, e, assistere alla decolonizzazione sempre più inarrestabile, da “effetto domino”, da parte di quei paesi asiatici e africani, che pian piano acquistano autonomia e indipendenza attraverso sanguinose lotte.

Da queste culture così lontane e diverse Matisse apprende l’arte sublime della comprensione e assimilazione, con una neutralità moderna celata dietro un’innocente strumentalizzazione. L’artista si appassiona alle maschere africane, tanto che intraprenderà un viaggio, insolito per l’epoca, in Algeria, e, sempre più, le linee essenziali e grammaticalmente stilizzate della cultura africana, le sentirà affini al suo modo d’essere.

Su questo collegamento, punto di incontro tra arte “esotica” e il genio europeo di Matisse, si incentra questa mostra che indubbiamente mette in risalto le fonti materiali da cui lo stesso trae ispirazione, presentando ceramiche e vetri provenienti dall’estremo Oriente, o stoffe dalle variegate cromie da cui Matisse prese spunto per il suo estro decorativo.

Indubbiamente interessante si è rivelata la parte che presenta un Matisse poliedrico, mostrandolo nei panni dell’odierno stilista di costumi di scena, ruolo nel quale l’artista francese si cala nel 1920 per Le Chant du rossignol di Sergej Diaghilev, a Mosca; si possono ammirare le bozze preparatorie di numerosi abiti, ma ci è data l’opportunità anche di gustare della realizzazione concreta dei suoi progetti, trasformati in preziosi vestiti colorati e funzionali.

Anche se la mostra poteva essere strutturata meglio, con un ordine dispositivo più chiaro e coerente, magari prediligendo un ordine cronologico che avrebbe favorito una lettura evolutiva dello stile del maestro, che lo portò, dalle opere iniziali come Lusso calma e voluttà, in cui il metodo è ancora Seurattiano, con una divisione scientifica dei segni cromatici, a lavori successivi in cui Matisse si libera da ogni accademismo, per sfociare in una libertà non più mediata, ma panica e totalizzante, ha inizio l’esperienza Fauve.

Avrei inoltre dato un più ampio spazio, probabilmente, al clima globale che assorbe un intero inizio secolo calamitato da questa passione viscerale verso lo sconosciuto Oriente, passione che aveva radici lontane, innestate dall’opera del gesuita Athanasius Kircher che già dal XVI secolo cominciò a far appassionare l’Occidente alle cosiddette Chinoiserie ( Cineserie). Avrei insistito più nel contestualizzare questo interesse, magari raffrontando i pezzi Matissiani con quelli del contemporaneo Picasso, lasciandogli volentieri prendere il posto ai forse eccessivi disegni a matita dell’artista a cui la mostra è dedicata. Capisco che è deprecabile che una mostra si allontani troppo dal tema promesso dal titolo, e, che non si vogliono deludere le aspettative del grande pubblico, ma riempire pareti immense con una singola opere e lunghi e interminabili pannelli descrittivi può rischiare di risultare lezioso e ai fini educativi poco efficace.

Matisse è un’artista che, in fondo, non necessita di troppe spiegazioni, ma le sue opere sono esattamente come appaiono, dirette, calde, avvincenti, pagane e mistiche allo stesso tempo, fuori dai canoni e per l’epoca rivoluzionarie.

Quello che sempre più manca nelle mostre di arte contemporanea è proprio la presenza di opere che da sole spieghino il pensiero o il punto di vista di un artista, contestualizzato al periodo in cui vive; le opere che da sole sarebbero spesso in grado di spiegare molto o tutto vengono sostituite da pannelli, che, invece di spiegare semmai le opere dalla decifrazione più complessa, si perdono, in modo troppo prolisso, a raccontare vita, morte e forse qualche miracolo di artisti di cui certo, spero, a distanza di tempo, non ci ricorderemo la scuola frequentata da adolescente o i libri letti in solitudine, ma, l’opera che più ha saputo toccare le nostre corde, o l’indifferenza, perfino odio, che di fronte ad essa possiamo aver provato.

Federica Peligra

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